El compositor estadounidense Dr. Aaron Holloway-Nahum (nacido en 1983) se ha establecido firmemente como un pilar de la escena musical contemporánea del Reino Unido. Aunque su carrera compositiva es formidable por sí sola -fue uno de los dos compositores del programa de mentores de la Fundación Peter Eötvös 2018/19 y sus encargos incluyen la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de la BBC y Third Coast Percussion-, su trabajo más significativo combina sus conocimientos compositivos con una variedad de habilidades adicionales, a través de las cuales lidera una galardonada carrera como ingeniero de grabación, director de orquesta y empresario artístico.

Para Holloway-Nahum es de vital importancia reducir las desigualdades de género, raciales y socioeconómicas dentro de la nueva música, y como comisario y director de orquesta ha presentado obras contemporáneas de diversos compositores, como Anna Thorvaldsdóttir, Ann Cleare, Kit Downes, Daniel Kidane, Liza Lim, Tonia Ko y el encargo de Riot a Georg Friedrich Haas interpretado en total oscuridad. En la actualidad también es el responsable de paisajes sonoros de Southby Productions. Vive en Londres con su mujer y sus hijos.

Adrian Moore es un compositor de música electroacústica. Principalmente compone música destinada a la "difusión de sonido" a través de múltiples sistemas de altavoces. Dirige los estudios de sonido de la Universidad de Sheffield (USSS), donde investigadores y compositores colaboran en nuevos proyectos musicales. Los intereses de investigación de Adrian Moore se centran en el desarrollo de la tradición acusmática en la música electroacústica, la interpretación de la música electroacústica, el procesamiento de señales y la interacción humano-computadora en la música.

Su música ha sido comisionada por el Groupe de Recherches Musicales (GRM), el Institute International de Musique Electroacoustique de Bourges (IMEB) y el Arts Council of England. Una proporción significativa de su música está disponible en 4 discos, 'Traces','Rêve de l'aube', 'Contrechamps' y 'Séquences et Tropes' en el sello empreintes DIGITALes. Su libro 'Sonic Art: An Introduction to Electroacoustic Music Composition' es publicado por Routledge.

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Andrés Gomis es un caso atípico entre los músicos españoles. Su rica personalidad como artista y su carácter audaz e inconformista acompañan una carrera musical que podría definirse como una mezcla de rigor, afán de investigación con su instrumento (el saxofón) y constante necesidad de llevar a cabo nuevas experiencias. Podría decirse que los proyectos musicales en los que participa o de los que es iniciador llevan el sello de una persona que antepone el compromiso artístico, huye del diletantismo y del efectismo fácil, para cautivar a través del sonido, su forma de entender el sonido. Al igual que su instrumento, puede ser huracanado o extremadamente sutil, pero una cosa es cierta: no deja indiferente al oyente. Estrechamente vinculado a la creación contemporánea, trabaja con el compositor de forma directa, experimentando y sugiriendo ideas y sonidos, a veces tan de cerca que acaba formando parte del acto creativo (y hablo desde el conocimiento por experiencia propia). No se trata de interferir en el campo del autor, de imponer o limitar. Andrés Gomis propone, y lo hace con tal fuerza vital, siempre desde la coherencia y el impulso artístico, que el compositor acaba integrando sus ideas en la obra; su sonido, sus pensamientos sonoros, son fuente de sugerencia para quien trabaja con él y debe participar en el acto creativo. (©Sergio Blardony, compositor)

Andrés Gomis está considerado como uno de los músicos más importantes de su país. Su dilatada carrera como concertista y como docente avalan su prestigio. Como solista y miembro fundador de SIGMA Project ha recorrido las más importantes salas de conciertos de España, Alemania, Francia, Italia, Inglaterra, Rumanía, Croacia, Japón, Estados Unidos, México, Canadá, Chile y Argentina.

Ha colaborado regularmente con la Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta y Coro de Radio Televisión Española, Orquesta Sinfónica de Madrid y la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Como solista ha sido invitado por la Radio-Sinfonierorchester de Stuttgart (Alemania), Orquesta Sinfónica de Bilbao y Orquesta Nacional de España.

En su faceta más experimental, lleva años profundizando en la investigación de los parámetros acústicos del saxofón bajo y desarrollando un repertorio para este instrumento. Fruto de este trabajo son las obras Resplandor de Alberto Posadas, Elogio del tránsito de José María Sánchez Verdú y Memoria del viento bajo la arena de Sergio Blardony, todas ellas para saxofón bajo y orquesta, siendo estrenadas por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, Orquesta de RTVE y Orquesta SIC respectivamente.

De su dilatada carrera como docente cabe destacar su labor en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Conservatorio Superior de Música de las Islas Baleares, Conservatorio Superior de Música de Castilla y León, entre otras, siendo en la actualidad Catedrático de Saxofón en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, Zaragoza (España).

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El Cuarteto Arditti goza de una reputación internacional por sus técnicamente refinadas y brillantes interpretaciones de la música contemporánea desde principios del siglo XX hasta nuestros días. Cientos de cuartetos de cuerdas y muchas otras obras de cámara han sido escritas para ellos desde que Irvine Arditti, el primer violín, lo fundó en 1974. Muchas de estas obras han dejado una marca permanente en el repertorio del siglo XX y le han dado al Cuarteto Arditti un firme lugar en la historia de la música.Además de su legendaria trayectoria como primer violín del Cuarteto Arditti, Irvine Arditti también le ha dado vida a muchas obra como solista. Nació en Londres en 1953 y a los dieciséis años ingresó a estudiar en la Academia Real de Música. Se integró a la Orquesta Sinfónica de Londres en 1976 y después de dos años fue co-concertino a la edad de veinticinco años. Dejó la orquesta en 1980 para dedicar más tiempo al Cuarteto Arditti que formó cuando aún era estudiante.Irvine Arditti ha estrenado una plétora de obras de gran escala escritas ex profeso para él. Entre éstas se incluyen Dox Orkh de Xenakis’, Landscape III de Hosokawa, para violín y orquesta, así como también Terrain de Ferneyhough, Riti Neurali y Body Electric de Francesconi, Vernal Showers de Dillon, Scena de Jonathan Harvey , Vita Nova de Pauset , Aspiration de Reynolds y Le Stagioni Artificiali de Sciarrino, todas ellas para violín y grupo instrumental.Se ha presentado con muchas distinguidas orquestas y grupos instrumentales que incluyen la orquesta de Bayerische Rundfunk, BBC Symphony, la orquesta sinfónica de la Radio de Berlin, la orquesta Real del Concertgebouw, Junge Deutsche Philharmonie, la Filarmónica de Munich, Orquesta Nacional de Paris, Het Residentie den Hague, la Filarmónica de Rotterdam, Asko Ensemble, Avanti, Ensemble Contrechamps, Ensemble Modern, Nieuw Ensemble, Nouvel Ensemble Modern, Oslo Sinfonietta, Philharmonia orchestra, Schoenberg Ensemble. Muchos compositores lo han aclamado por sus interpretaciones de varios conciertos en particular Ligeti y Dutilleux.En el 2012 Irvine estrenó en el Miller Theatre de Nueva York Señales para violín y grupo instrumental, una obra reciente de Hilda Paredes, con el grupo Signal de Nueva York y dirigidos por Brad Lubman.En el mismo año se hicieron muchas presentaciones alrededor del mundo de Freeman Etudes de Cage para celebrar su centenario. Estas presentaciones se realizaron en Darmstadt, Washington Tokio, Venezia y Huddersfield.En el mes de febrero Miller theatre de Nueva York presentó un concierto monográfico del compositor Roger Reynolds. En este programa se presentó Kokoro, la obra para violín solo y Aspiration para violín y grupo instrumental con Ensemble Signal dirigidos por Brad Lubman. También hubo una clase magistral y un recital en Eastman School of Music cuyo programa consitsió de obras para violín solo de Berio, Ferneyhough, Paredes y Sciarrino. El 7 de junio hubo otro concierto con Signal y Brad Lubman en el festival June in Buffalo en cuyo programa se presentó la obra de Paredes Señales. El día anterior, dentro del marco del mismo festival hubo otro recital para violín solo con obras de Dillon, Donatoni, Hosokawa, Traversa y Sciarrino. En la ciudad de México hubo dos presentaciones del concierto para violín de Ligeti los días 14 y 15 de junio con la Orquesta Filarmonica de la ciudad de Mexico bajo la dirección de Jose Arean. Estos conciertos se presentaron en Bellas Artes y en la Sala Ollin Yolitzli. El 21 de junio se presento en Amsterdam La lontananza de Nono dentro del Festival de Holanda, con el Experimental Studio de Friburgo y Andre Richard en los medios electrónicos. El 2 de noviembre, habrá un recital dentro del Festival Traiettoria de Parma con obras de Dillon, Donatoni, Ferneyhough, Hosokawa, Lavista, Paredes y Traversa.Además de haber grabado más de 200 CDs con el Cuarteto Arditti, Irvine Arditti ha acumulado un sorprendente catálogo como solista. Su CD para violín solo de compositores como Carter, Estrada, Ferneyhough y Donatoni, así como su grabación de La Lontananza de Nono , ambas en el sello Montaigne Auvidis, han sido galardonados con premios. Su grabación de los Freeman Etudes para violín solo, como parte de su serie completa de música para violín de Cage para el sello Mode Records, ha ocupado un espacio importante en la historia de la música. En el sello Bis están grabados los conciertos para violín de Berio, Xenakis y Mira, con la Filarmónica de Moscú.Los arreglos de Irvine Arditti de las 44 Armonías de Apartment House de Cage están publicadas en la Editorial Peters y grabadas en Mode Records de Nueva York. Para este mismo sello grabó la Sequenza de Berio que en el 2001 ganó el Deutsche Schallplattenpreis y fue también galardonado como la mejor grabación de música contemporánea por la revista italiana Amadeus en el 2008.En Julio del 2013 el libro The Techniques of Violin playing , escrito por Irvine Arditti en colaboración con el compositor Robert Platz, fue publicado por la editorial Barenreiter.En 2023 Schott, Mainz publicó una biografía escrita por Irvine. El libro abarca desde la cuna hasta casi 50 años de interpretación de música contemporánea y contiene información detallada sobre 25 compositores con los que ha trabajado.

El Ensemble Cantando Admont, fundado por un grupo de cantantes consagrados bajo la dirección de Cordula Bürgi, surge de la necesidad consciente de dar un nuevo impulso a la música vocal contemporánea, así como del deseo de revitalizar el rico repertorio de la música medieval, renacentista y del primer barroco.

Sus miembros están firmemente convencidos de que sólo a través de un trabajo profundo y continuo sobre el repertorio del pasado y la creación contemporánea se puede llevar a la música vocal, nueva y antigua, a un florecimiento renovado y liberarla de la estrechez de la especialización. Un compromiso y una auto-promesa de esperanza de un nuevo amanecer que asumen desde hoy mismo.

A través de su ciclo de conciertos dialogados, “Concert Talk & Solo Cantando”, Cantando Admont se ha propuesto establecer una nueva tradición de conciertos en la ciudad austriaca de Graz. Como ensemble, actúa en festivales y eventos de renombre como los Salzburger y Bayreuther Festspielen, el Acht Brücken Festival Köln, Wien Modern, Steirischer Herbst, Münchener Biennale y en salas como el Concertgebouw de Amsterdam, el Musikverein de Viena, la Deutschen Oper Berlín, el Teatro Colón de Buenos Aires, el Konzerthaus de Dortmund o el Onassis Center de Atenas. Entre los próximos proyectos de Cantando Admont destaca su participación en el estreno mundial de la nueva ópera de Beat Furrer, “Das Grosse Feuer”, que tendrá lugar en marzo de 2025 en la Ópera de Zurich.

Las colaboraciones regulares con compositores como Beat Furrer, Youghi Pagh-Paan, Klaus Lang, Elisabeth Harnik, Peter Ablinger, Feliz Anne Reyes Macahis, Laure M. Hiendl, Marco Momi, entre otros, así como con formaciones como Klangforum Wien, Ensemble Phace, Ensemble Kontrapunkte, Ensemble dissonArt, Ensemble Nikel, Ictus Ensemble, Ensemble Schallfeld, etc. son una parte esencial de la propuesta de Cantando Admont.

La directora Cordula Bürgi, nacida y criada en Suiza, estudió violín en la Escuela Superior de Música de Lucerna, y dirección y canto en la Academia de Música de Basilea. En su infancia ya tocaba en varias orquestas juveniles y formaciones de música de cámara, y fue desde temprana edad cuando descubrió su entusiasmo por la música antigua y contemporánea. En 2008 asumió la dirección musical del Coro de Niñas de Basilea y tras un continuo trabajo de desarrollo en los distintos niveles del coro, ha supervisado numerosos conciertos y producciones teatrales en el Teatro de Basilea. También ha sido invitada a dirigir otras numerosas producciones, como en la Ópera Estatal de Berlín (ópera "Violetter Schnee" de Beat Furrer), la Ópera de Graz y el SWR Vokalensemble.

En 2014, se trasladó a Viena y fundó el ensamble de música antigua y contemporánea "Cantando Admont". Este conjunto solístico, formado por destacadas voces y con Cordula como directora artística, consiguió establecerse en la escena musical europea en pocos años, actuando en festivales de renombre como el Festival de Salzburgo, el Festival de Bayreuth, el Festival Acht Brücken de Colonia, la Bienal de Múnich, el Klangspuren Schwaz, el Wien Modern, el Festival de Música de Berna, el ZeitRäume de Basilea, el Festival Mahler de Toblach y en salas como la Deutsche Oper de Berlín, el Teatro Colón de Buenos Aires y el Onassis Centre de Atenas. Para 2025 está prevista una producción operística en la Ópera de Zúrich. Como directora, actúa en el marco de los conciertos Cantando Admont tanto en su país como en el extranjero colaborando con diversos conjuntos instrumentales europeos, como la KNM de Berlín y el Ensemble Phace de Viena.

Nimikry es una startup y un dúo musical impulsado por la creatividad que trabaja en el umbral de la música y la tecnología. Sus soluciones amplían las posibilidades de la música instrumental, permitiendo posibilidades artísticas nuevas y únicas. Están hechos de músicos para músicos. Trabajar con artistas y músicos de todo el mundo, desarrollando proyectos juntos, es una parte esencial de su enfoque.

ALESSANDRO BATICCI

Alessandro está activo internacionalmente como flautista independiente, compositor e intérprete electroacústico en el campo de la música contemporánea y el arte sonoro. Los compromisos lo han llevado a Japón, Argentina, China, Francia, Alemania, Dinamarca, Italia y Austria entre otros países, actuando en el lugares y festivales más importantes como Salzburger Festspiele, Darmstadt Ferienkurse, Wien-Moderna, WienerFestwochen, Klangspuren Schwaz, Rondó, IRCAM, Wiener Musikverein, WienerKonzerthaus, ORF Radiokulturhaus. Su dedicación a la música contemporánea lellevó no sólo a colaboraciones con compositores como como Beat Furrer, TristanMurail, Salvatore Sciarrino y Brian Ferneyhough, pero también a un activa en el campo de las instalaciones sonoras, las artes escénicas y la composición electroacústica.

Su enfoque inventivo lo llevó a desarrollar instrumentos electroacústicos, control digital e instrumentos de mapeo, así como soluciones de sonido para instrumentos de viento.

Nacido en Milán, Italia, Alessandro comenzó su educación musical a una edad muy temprana. Estudió composición electroacústica, flauta, ingeniería de sonido y artes visuales en Milán y Viena…. “descubrir nuevos territorios musicales e ir más allá de lo límites de mi instrumento y mi estética musical siempre ha sido mi ambición. Nimikry es una nueva plataforma donde lo clásico, lo contemporáneo y la música electrónica se encuentran y comparten la colectividad de sus sucediendo." - AB

‍RAFAEL ZALECH

Violista, compositor e inventor, Rafal Zalech nació en Wroclaw (Polonia), 1988.

Estudió viola y composición electroacústica en la Universidad de Música e interpretación Artes en Viena, Austria, así como música de cámara en la Universidad de Yale, EE. UU.

Su actividad concertística comprende algunas de las agrupaciones de música contemporánea más reconocidas, p.ej. KlangforumWien, Scenatet Copenhagen, por nombrar algunos. Música de cámara y solista actuaciones lo llevaron a festivales de toda Europa como el Festival de Huddersfield, New Directions Festival, 8 Brücken Colonia, März Musik Berlin, Wien Modern y Varsovia Otoño.

Desde 2012 trabaja en una plataforma de instrumentos musicales aumentados, así como el diseño de una tecnología digital de detección de dedos para mapear instrumentos de cuerda. Él es el autor de RZ.library - un paquete de abstracción Max/Msp dedicado al proceso de sonido en vivo- ing, así como otras aplicaciones y software relacionados con las operaciones en tiempo real.

El trabajo artístico de Mosaik se basa en la continuidad de su comunidad musical, en la investigación de la creatividad, la creación de redes, la colaboración con artistas de todas las disciplinas y el intercambio intercultural.

Fundado en 1997, el Ensemble Mosaik es una formación particularmente versátil y experimental y un conjunto de renombre para la música contemporánea. Sus integrantes se caracterizan por sus habilidades instrumentales, así como por su individualidad creativa. A lo largo de muchos años de colaboración, han creado un conjunto distintivo que demuestra apertura a las más diversas concepciones de la música contemporánea al más alto nivel artístico.

Las actividades del ensemble se caracterizan por la estrecha colaboración con jóvenes compositores y la integración de los medios digitales en las áreas de composición, interpretación y presentación. Se prefiere una forma igualitaria de trabajar en intercambio con todos los actores involucrados en un proyecto de concierto.

Mosaik prueba nuevos formatos de conciertos que reflejan obras individuales en el marco de un contexto general, se centran en las tendencias actuales y abren perspectivas específicas. En cooperación con artistas de otros campos o géneros, sus conciertos se convierten en un arreglo experimental.

Desde 2020 su director es el noruego Magnus Loddgard, músico con una versátil carrera como director, pianista, arreglista y compositor.

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Ensemble Resilience es un proyecto innovador que tiene como objetivo traer un nuevo concepto de sonido al mundo de la música contemporánea. Su singularidad se debe a la sinergia de tres de los instrumentos acústicos más elegantes y expresivos, violín, clarinete y piano, y dos instrumentos electrónicos de reciente invención: Seaboard® de Roli (Londres), un pad altamente sensible con forma de teclado ondulado que captura incluso los movimientos más mínimos de la mano, y Mater, un set de percusión creado por miembros del conjunto.

Con esta yuxtaposición, Ensemble Resilience reúne los mundos sonoros de la música clásica y electrónica. En ocasiones los instrumentos acústicos se amplifican ligeramente y se fusionan con el sonido digital y en otras divergen. Cuatro / ocho altavoces rodean a la audiencia y mueven la fuente de sonido de una presencia dispersa en el ambiente a un punto enfocado en el escenario. Jugar con este inesperado desplazamiento de sonidos es la fuerza del espectáculo del Ensemble, que tiene como objetivo sumergir al público en una escultura sonora tridimensional y en constante transformación.

Ensemble Resilience es un colectivo de cuatro músicos especialistas en repertorio del XXI y dos compositores expertos en diseño de sonido. El programa que aquí se propone surge de la íntima colaboración de todos ellos y de los componentes jóvenes emergentes.

Integrantes: Paolo Gorini (piano y Seaboard), Tomek Szcepaniak (Mater), Winnie Huang (violín) y Marco Danesi (clarinetes).

En los conciertos de El Contemporáneo, les acompaña Rubens Askenar, un compositor e investigador canario afincado en Londres, cuya actividad profesional aúna su activa carrera como compositor con la de profesor de composición en la Royal Academy of Music de Londres, lugar en el que se gestó el proyecto del Ensemble Resilience. Son habituales colaboradores y Rubens Askenar está encomendado a crear una obra de estreno para el ensemble.

Fabián Panisello (Argentina/España, 1963) reúne las facetas de compositor, director y profesor al más alto nivel. Vinculado a la Escuela Superior de Música Reina Sofía desde 1996, ha sido director académico y decano hasta 2019, cuando se fundó la Cátedra de Composición, desde la que enseña a la nueva generación internacional de compositores. Además, colabora como invitado en otras instituciones superiores, como Royal Academy of Music o China Conservatory.

Se forma en composición con F. Kröpfl en Buenos Aires y B. Schaeffer en el Mozarteum de Salzburgo y con P. Eötvos en dirección. Su música «llena de ideas, intensa y rebosante de energía» (Stockhausen), destaca por su fuerza motriz, lírica, dramatismo, refinamiento armónico y expresividad. Y es interpretada por solistas, ensembles y orquestas, como: Cuarteto Arditti, Orquesta SWR, Coro Nacionales de España, RTVE, Ensemble Modern, etc. Los últimos años se ha centrado en la ópera, con títulos como Le Malentendu, Les Rois Mages o su última composición: Die Judith von Shimoda, encargo del Festival de Bregenz 2023; apareciendo en teatros de Niza, Tel Aviv, Berlín o Madrid.

Durante la temporada 2023-24 ha estrenado el Concierto de vTrompa(Vlatkovič, Nielsen, RTVE), Seven Japanese Sketches (Ortega, vAmaryllis Quartett), L’âge de la raison (Corrado, Syntax, Milano) y Written in blue (Blanco, Nagy, Sinfonietta ESMRS). Como director es muy apreciado por sus versiones referenciales de la música de los siglos XX y XXI. Fundador y director del PluralEnsemble, ha actuado en festivales como Donaueschingen, Bienal de Venecia, Otoño de Varsovia, Wien Modern, Présences, Ars Musica, etc. Su creciente actividad, le lleva en 2023-24 a dirigir programas como Eötvös 80 (Concerto Budapest Orchestra, VokalSolisten) y los ensembles Riot (Londres), United Berlin, Turning Point (Vancouver). Publica sus obras con Peters Edition.

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Nacido en Irlanda y criado en Escocia, Garth Knox es el menor de cuatro hermanos dedicados a la ejecución de instrumentos de cuerda. Pero fue el único que eligió la viola como instrumento, y desde entonces consagró su vida a ese instrumento. Estudió en el Royal College of Music de London con Fredrick Riddle, donde ganó varios premios por su interpretación del instrumento y de la música de cámara. Tocó con las mejores agrupaciones, interpretando tanto repertorios barrocos cuanto de música contemporánea.En 1983 fue invitado por Pierre Boulez para formar parte del prestigioso Ensemble Intercontemporain de París, donde fue solista de viola bajo la conducción del propio Boulez en numerosos conciertos y festivales del mundo. En 1990 se unió al Arditti Quartet, tocando y grabando cuartetos de cuerda de los grandes compositores del siglo XX, en muchos casos en carácter de estreno, y trabajando muy cerca de compositores como György Ligeti, Luciano Berio, Iannis Xenakis, György Kurtag y Karlheinz Stockhausen, con quien trabajó en su famoso Helicopter Quartet. En 1998 dejó el cuarteto para concentrase a su carrera solista, estrenando obras de Werner Henze, György Ligeti, Brian Ferneyhough, James Dillon y George Benjamín, muchas de las cuales fueron dedicadas a él.

José L. Besada es investigador “Ramón y Cajal” en la Universidad Complutense de Madrid, tras haber disfrutado de contratos postdoctorales en el IRCAM y en la Université de Strasbourg.

Ha sido dos veces editor invitado de Contemporary Music Review, habiendo publicado igualmente en revistas de impacto en torno a la música contemporánea como Tempo, Organised Sound, Perspectives of New Music o Neue Zeitschrift für Musik.

Colabora igualmente con Radio Nacional de España – Radio Clásica con dos emisiones semanales.

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Magnus Loddgard, nacido en 1979, estudió piano con Sigurd Slåttebrekk y dirección con Ole Kristian Ruud en la Academia Noruega de Música, y dirección con Lutz Köhler en la Universität der Künste de Berlín. Loddgard es un artista excepcionalmente versátil, y ha trabajado en muchos géneros como pianista, repetidor, entrenador vocal y director de orquesta, y es también director de "Fjøsfestivalen", un festival de arte en su Melhus natal, a las afueras de Trondheim. Loddgard ha centrado su carrera pianística en la escena de la música contemporánea. Ha dado recitales y ha sido solista de la Orquesta Sinfónica de Kristiansand y la Orquesta Sinfónica de Trondheim, ha estrenado muchas piezas y es pianista del Ensemble Ernst. También participa activamente en música de cámara y como acompañante. Ha dirigido la mayoría de las orquestas sinfónicas de Noruega, pero también trabaja a menudo con conjuntos más pequeños. Es el director del conjunto neon de Oslo, y también ha trabajado en varias ocasiones con la Oslo Sinfonietta, el Ensemble Ernst y la Bodø Sinfonietta. Pero su carrera se ha desarrollado sobre todo dentro de la ópera. Fue repetidor en la Ópera y Ballet Nacional de Noruega durante siete años, donde ha dirigido varias producciones, tanto de ópera como de ballet. El repertorio operístico de Loddgard abarca desde Monteverdi hasta la ópera contemporánea, y ha dirigido estrenos de varias óperas.

Manson Ensemble es su formación especializada en música contemporánea. Su primer concierto fue en el Festival de Aldeburgh en 1968 y desde entonces toca de forma habitual en la Academia y en festivales de todo el Reino Unido.

Desde su fundación ha colaborado con compositores como Berio, Boulez y Messiaen y, más recientemente, H. Abrahamsen, E. Alberga, T. Davies, A. Norman y A. Thorvaldsdottir. Entre sus trabajos destacan también la interpretación y grabación de la música de Frank Zappa, así como la grabación de ’Historia del soldado‘ de Stravinsky, dirigida por Oliver Knussen, entre otras intervenciones.

La Royal Academy of Music hace avanzar la música inspirando a sucesivas generaciones de músicos a conectarse, colaborar y crear. Es el punto de encuentro entre las tradiciones del pasado y el talento del futuro, buscando y apoyando a los músicos de hoy cuya música moverá el mundo mañana.

Vendrán con Aaron Holloway-Nahum a la dirección y acompañados por Philip Cashian, el director del departamento de composición de la Royal Academy.

Mariano Chiacchiarini nació en Buenos Aires en 1982. En 2008 recibe el 1er Premio en el Concurso de Dirección "J. Martini" con la Orquesta Estable del Teatro Colón, en 2010 el 1er Premio en el Concurso de Dirección “Eusebio Rivera” (España), es Finalista del Concours Chef Résident con la Orchestre National de Lyon en 2012 (Francia) y en 2013 es seleccionado por la Kritisches Orchester (Alemania) para trabajar con músicos de la Filarmónica de Berlín, Konzerthaus y Stattskapelle Berlín y Dresden, entre otras orquestas de primer nivel. Es ganador del Premio Alemán de Música (ex ECHO Musikpreis), del Preis der Deutschen Schallplattenkritik(Premio de la Crítica Discográfica Alemana), del Premio KONEX en Música y del Premio Radio Nacional Clásica. Recientemente fue seleccionado por Bárbara Hannigan para el proyecto Momentum y como miembro del Consejo Alemán de Música. Desde 2022 Mariano fue elegido nuevo Universitätsmusikdirektor de la ciudad de Bremen.

Ha asistido y trabajado con personalidades como Sir S. Rattle, P. Boulez, P. Eötvös, I. Fischer, B. Haitink, D. Gatti, R. Muti y R. Chailly entre otros. En Argentina G. Scarabino, C. Vieu y G. Opitz fueron sus maestros, graduándose en Dirección Orquestal y Coral con medallas de oro en la UCA y del Máster en Dirección Orquestal en la Hochschule für Musik Köln de Alemania con los más altos honores.

Otros galardones incluyen becas y premios del Fondo Nacional, DAAD Alemán, Accademia Chigiana, Premio Especial de la Orquesta Duna Szimfonikus de Hungría,T. Grüneisen del Mozarteum Argentino y Artist in Residence Cité Internationale des Arts Paris.

Fue Director Musical del Collegium Musicum, Orquesta y Coro de la Universidad de Trier durante 12 años, desde 2009 es Director del Ensemble Garage y en 2011 gana el concurso como Director de la Orquesta ´91 Hamburg. Desde 2013 comienza su colaboración con la Academia del Festival de Lucerna y como uno de los principales directores invitados de la Sinfónica Nacional Argentina.

En 2011 dirigió en el estreno mundial de la ópera Sonntag aus Licht de Stockhausen para la ópera de Colonia. Realizó conciertos en marcos como el Konzerthaus de Berlín, Elbphilharmonie Hamburg, Philharmonie Köln, l’Opéra Bastille, KKL Luzern, Tonhalle Zürich, Gran Sala Tchaikovsky de Moscú, Philharmonie Israel, Teatro Colón y Teatro Rozzi de Siena, Lucerne Festival, Schleswig-Holstein Musik Festival, Young Euro Classic, Darmstadt Festival, Bartók Festival, Young Classical Atenas y New Talents Cologne.

Sus conciertos fueron grabados y reproducidos por las radios WDR, SR, SWR, Radio Bavaria, Radio Berlín, Radio Nacional Alemana, Radio France, Radiotelevisione Svizzera, Belarusa y Radio Nacional Argentina, entre otras.  En 2016 su concierto en China es elegido como evento del año y es trasmitido en vivo a todo el mundo.

Ha dirigido orquestas y ensambles de primer nivel como Tonhalle Orchestra Zurich, Lucerne Festival Orchestras, Orchestra della Svizzera Italiana (Suiza), Sinfónica Nacional de Rusia, Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre National de Lyon (Francia),Orquesta Nacional de Radio y Televisión (Belarús), Royal Flemish Philharmonic(Bélgica), Hong Kong Phil, Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Estable del Teatro Colón y Sinfónica Nacional de Argentina, WDR Sinfonieorchester, Gürzenich Orchester Köln, Staatstheaterorchester Kassel, Bochumer Sinfoniker, Schleswig-Holstein Festival Orchester, Deutsche Radio Phil, Musikfabrik y Ensemble Modern (Alemania), también orquestas de Austria, España, Portugal, Grecia, Hungría, Italia, Bulgaria, Norteamérica, Sudamérica y Asia.

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El director Nacho de Paz es particularmente reconocido por su especialización en la música de los siglos XX y XXI. Su trabajo en el repertorio experimental y multimedia de nueva creación es de referencia en España. Formado en la escuela rusa, es titulado superior en Piano y en Composición. Ha sido galardonado con los Premios Internacionales de Composición Joan Guinjoan (2002), Luigi Russolo (2003) y SGAE de electroacústica (2004). Se especializó en dirección de orquesta con Arturo Tamayo y Pierre Boulez. Becado por el Gobierno Alemán y elegido como director musical por el Ensemble Modern, realizó un Master en Música Contemporánea en la Universidad de Frankfurt. Debido a la pandemia de la covid19 retomó su actividad como compositor en 2020 y ha sido galardonado en 2021 con el Premio de Composición SGAE-Cullerarts.

Ha dirigido la mayor parte de las orquestas españolas y de las agrupaciones internacionales especializadas en repertorio actual (Klangforum Wien, PHACE, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Recherche, Ensemble Modern, Ensemble MusikFabrik, Vertixe Sonora, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Synergy Vocals, Accentus...). Colabora con ARTE tv Cine-Concert, 2eleven music-film y Europäische FilmPhilharmonie en la grabación e interpretación de partituras compuestas para cine mudo del siglo XX. Ha realizado más de 400 estrenos mundiales, ha grabado para televisiones como ZDF, ARTE, HR, ORF-1 y TVE y ha publicado 15 CDs y DVDs.

Actualmente es director invitado habitual de PHACE en Viena. Recientes y próximos compromisos incluyen colaboraciones con el Teatro Real, Wiener Konzerthaus, ARTE tv, Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Ensemble Intercontemporain, Ensemble PHACE, Ensemble Recherche, United Berlin, Vertixe Sonora, Aspekte Festival Salzburg, Elbphilharmonie Hamburg, Kampnagel Hamburg, Barbican Centre London, Resis Festival, Philharmonie Luxembourg, Berliner Festspiele, Wien Modern, Alte Oper Frankfurt, Konzerthaus Berlin, Oper Graz, Teatro de la Maestranza y la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya.

Nordic Voices es un grupo vocal a capella de seis voces procedente de Oslo (Noruega). Desde su formación en 1996, han ido ganando reputación y reconocimiento como uno de los mejores grupos vocales del mundo en su género. Está compuesto por Tone Elisabeth Braaten (soprano), Ingrid Hanken (soprano), Ebba Rydh (mezzosoprano), Per Kristian Amundrød (tenor), Frank Havrøy (barítono) y Rolf Magne Asser (bajo).Todos ellos son graduados en la Norwegian Academy of Music of the Opera Academy en Oslo y comparten una larga experiencia en la ópera, composición, música sacra y dirección.

Su repertorio va desde la música medieval hasta composiciones actuales, explorando un amplio espectro desde el canto llano hasta estrenos de obras de encargo. Han grabado cuatro discos, lo que les ha proporcionado numerosos reconocimientos y, además, recibieron el Premio Fartein por su contribución a la música contemporánea noruega. Desde sus inicios, han ofrecido conciertos por toda Europa, así como en Estados Unidos y China.

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Se trata de interpretar la música de hoy sin ataduras por las diferencias de género, con pasión, fuego y emoción ilimitada: fuera de la torre de marfil e incrustada en el mundo multifacético de la música contemporánea. Con gran entusiasmo, los once solistas de PHACE y su director artístico Reinhard Fuchs tienen como objetivo llevar a su público en viajes a mundos ricos y poéticos. PHACE ha presentado conciertos no convencionales, producciones de teatro musical y proyectos interdisciplinarios con danza, teatro, presentaciones en vivo, electrónica, video, tocadiscos, instalaciones y mucho más durante muchos años. Desde su fundación en 1991 por el director y compositor Simeon Pironkoff como ensemble online y su relanzamiento en 2010 bajo el nombre de PHACE, el grupo ha buscado profundas colaboraciones artísticas con numerosos compositores, directores y músicos de renombre. De esta forma, se han encargado y estrenado más de 200 obras, y muchas de ellas han sido publicadas en numerosas grabaciones. La apertura y la curiosidad por experimentar con los más altos estándares artísticos son los sellos distintivos del conjunto, que se fomentan regularmente a través de colaboraciones con otros músicos e invitados de diversas disciplinas artísticas. En el otoño de 2012, PHACE encontró su hogar artístico con su propia serie de suscripción en el Wiener Konzerthaus, y realiza entre 25 y 30 conciertos al año como conjunto invitado en las salas de conciertos y festivales internacionales más importantes.

Las salas de conciertos y festivales en los que ha actuado incluyen: Alte Oper Frankfurt, Aspekte Festival Salzburg, Auditorio Centro Madrid, Avignon Festival, L'auditori Barcelona, ​​The Barbican Centre London, BBVA Bilbao, Berliner Festspiele, Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik, Brucknerhaus Linz, Carinthischer Sommer, Contempuls Prag, Festival d'Automne à Paris, de Singel, Donaueschinger Musiktage, Ensems Festival Valencia, Elbphilharmonie Hamburg, Gare du Nord Basel, Huddersfield Contemporary Music Festival, Imago Dei Krems, Kampnagel Hamburg, KlangspurenSchwaz, Kings Place London, Le Parvis Scène nationale Tarbes Pyrénées,Maerz Musik Berlin, March Music Days Ruse, Melos-Ethos Bratislava, Music Olomouc, Musica Strasbourg, Mixtur Barcelona, ​​ORF RadioKulturhaus Wien, OsterfestivalTirol, Philharmonie Luxembourg, ainy days Luxemburg, Salzburger Festspiele,Salihara Festival Indonesien, Sampler Séries Barcelona , Son EMUS Festival Sarajevo, Stadsschouwburg Amsterdam, Thalia Theatre Hamburg, Transart Bozen,Ultraschall Berlin, Wien Modern, Wiener Festwochen y Wiener Konzerthaus.

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PHACE está financiado por el fondo SKE (Austro Mechana), el Ministerio Federal de la República de Austria para las Artes y la Cultura (BMKOES) y el Ayuntamiento de Viena (departamento cultural).

Philip Cashian nació en Manchester en 1963 y estudió en la Universidad de Cardiff y en la Guildhall School of Music and Drama con Oliver Knussen y Simon Bainbridge. En 1990 fue becario Benjamin Britten en Tanglewood, donde estudió con Lukas Foss. Recibió el Premio Britten en 1991, la Beca Mendelssohn en 1992 y el Premio PRS de Composición en 1994. Su trepidante estilo musical ha sido descrito como "un reflejo sin concesiones del mundo moderno".Cashian ha colaborado y trabajado con numerosos músicos, conjuntos y orquestas de primera fila. Entre sus actuaciones figuran la St. Paul Chamber Orchestra, London Symphony Orchestra, BBC National Orchestra of Wales, BBC Symphony Orchestra, Britten Sinfonia, Royal Northern Sinfonia, Riga Sinfonietta, Ensemble Profil (Rumanía), Arctic Philharmonic, Esprit Orchestra (Toronto), Birmingham Contemporary Music Group, London Sinfonietta, Ergon Ensemble (Atenas), Festival de Música de Alicante, Festival de Bergen, Festival de Música de Aspen, Festival de Ojai (California), Musikmonat (Basilea), Festival de Otoño de Moscú, Festival de Aldeburgh, Festival de Spitalfields, Festival de Música Contemporánea de Huddersfield y BBC Proms, así como actuaciones recientes en Alemania, Francia, Austria, Hungría, Holanda, Noruega, España, Dinamarca, Suecia, Italia, Australia, Nueva Zelanda y China.

PluralEnsemble es un conjunto especializado en la música de los siglos XX y XXI fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras nacionales e internacionales, alternando el repertorio más relevante del siglo XX con estrenos. Desde 2009 desarrolla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música Contemporánea.

A lo largo de su trayectoria se ha presentado con gran éxito de crítica y público en los principales festivales internacionales especializados, como son New Music Week de Shanghai, Sound Ways de San Petersburgo, Musica de Estrasburgo, Atempo de Caracas, Présences de París, Ars Musica de Bruselas, Manca de Niza, Spaziomusica de Cagliari, Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el Festival de Música de Alicante, la Quincena Musical de San Sebastián, el ciclo de la WDR de Colonia, Nous Sons del Auditori de Barcelona, el Festival de Otoño de Varsovia, Ultraschall, Konzerthaus de Berlín y Klangspuren Schwaz de Tirol, entre otros.

Ha colaborado con artistas como Peter Eötvös, Salome Kammer, Cristóbal Halffter, Marco Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood, Holger Falk, Alda Caiello, Allison Bell, José Manuel López López, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, Jon Ketilsson, Pablo Márquez, Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher, Hansjorg Schellenberger, Tadeusz Wielecki, Lorraine Vaillancourt, Natalia Zagorinskaya, Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Hilary Summers o Toshio Hosokawa entre muchos otros.

Ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio europeas, así como grabaciones discográficas para los sellos Col legno, Columna Música, Verso, Cervantes, IBS y NEOS.

Preseleccionado para el premio 2024 Royal Philharmonic Society Ensemble Award, Riot Ensemble es conocido por conectar al público con la música contemporánea de actualidad en conciertos y eventos que son tan innovadores, vibrantes y gratificantes como la propia música que interpretan. Los miembros de Riot son algunos de los mejores solistas europeos de música contemporánea y con Riot además de trabajar como intérpretes, lo hacen como curadores y colaboradores, contribuyendo a crear y producir una amplia gama de proyectos.

Con sede en Londres y alcance nacional e internacional, Riot es especialmente activo en acercar nombres emergentes de la escena internacional a la británica. Desde 2012 ha ofrecido más de 250 estrenos mundiales de compositores de más de treinta y cinco países, y en 2023 su convocatoria anual de obras recibió más de 500 propuestas. Riot mantiene estrechas relaciones de trabajo con algunos de los compositores más importantes de nuestro tiempo como Liza Lim, Clara Iannotta, Chaya Czernowin, Ann Cleare y Georg Friedrich Haas, cuya pieza Solstices fue encargada por Riot.

En 2020, el conjunto recibió el primer "Ensemble Prize" de la Fundación Musical Ernst von Siemens. Riot actúa regularmente en el Wigmore Hall and Huddersfield Contemporary Music Festival (UK) así como en los Dark Music Days (Iceland), Tampere Biennale (Finland), Nordic Music Days (Sweden), y November Music (Netherlands) con apariciones recientes en Warsaw Autumn (Poland), Darmstadt (Germany), Wien Modern (Austria), Arctic Arts (Norway), Tzlil Meudcan (Israel) y Distat Terra (Argentina).

Además, Riot ha creado residencias plurianuales en la Royal Academy of Music y en la Universidad de Liverpool, a través de las cuales trabaja con una serie de compositores, intérpretes y profesores de distintas disciplinas para desarrollar proyectos a medida que beneficien a los estudiantes y a las comunidades de estas instituciones.

Riot cuenta con una extensa discografía y ha grabado en lugares que van desde el Royal Festival Hall a Air Lyndhurst Studios o Deutschlandfunk Köln. Su debut en Huddersfield Contemporary Records “Speak Be Silent” fue nombrado una de las diez grabaciones más importantes del año por Alex Ross en el New Yorker, y ha sido elogiado como 'una de las mejores grabaciones de 2019' por Sequenza 21 y 'un lanzamiento de lo más impresionante' por la revista australiana Limelight. Fiona Maddocks fue igualmente efusiva sobre su lanzamiento más reciente, Vestige, en The Guardian ('...cada uno de estos temas contrastantes es tocado con expresión y delicadeza por este grupo de primera categoría').

SIGMA Project (o lo que es lo mismo, el sumatorio de talentos de Andrés Gomis, Ángel Soria, Alberto Chaves y Josetxo Silguero) es más que un cuarteto de saxofones, es un vehículo imprescindible para la música instrumental del siglo XXI. Si el cuarteto de cuerda fue el instrumento por excelencia en los siglos pasados, SIGMA Project, en el siglo XXI, reivindica ese papel para el cuarteto de saxofones.Con base en Madrid desde su fundación, SIGMA Project, auténticos ‘Ardittis‘ del saxofón (así designados por la revista Scherzo), ha realizado más de 225 conciertos en auditorios y festivales de medio mundo: Estados Unidos, Jamaica, Buenos Aires (Teatro Colón), Bogotá (Teatro Mayor), México (Palacio de Bellas Artes), Chile (Auditorio GAM), Alemania, Francia, Escocia, Inglaterra, Italia, Polonia, Rumanía, Croacia, Túnez, incluyendo asimismo su propio circuito en España.Sus componentes se sienten imaginativos exploradores, capaces de estimular a los compositores que se acercan a su sonido, generando nuevas gramáticas en un verdadero laboratorio sonoro.

Desde su presentación en 2011, Vertixe Sonora ha realizado 244 conciertos, y realizado 290 estrenos absolutos de 220 compositores de 46 países, consolidándose como una de las voces de referencia del panorama europeo de música contemporánea. Una propuesta insustituible para conocer de primera mano las últimas tendencias de la creación sonora internacional, siempre atenta a la evolución del pensamiento, la investigación, la innovación y la creatividad sonora.

Espacio abierto a la reflexión, discusión e intercambio, ha experimentado con todo tipo de formatos desarrollando iniciativas musicales desafiantes y en permanente estado de convulsión. Producciones de teatro musical, ópera, danza, instalaciones sonoras y producciones de cámara y gran ensemble con la participación de artistas sonoros, artistas plásticos, músicos de jazz, cantantes, intérpretes clásicos y gente del teatro y las artes del movimiento en una común voluntad por confluir en una perspectiva artística global, que encuentran en la búsqueda de la excelencia y en el fuerte compromiso con la música y los creadores denuestro tiempo su razón de ser.

Una década de producciones propias y conciertos en diferentes festivales y ciclos de España y una presencia constante en escenarios de Alemania, Estados Unidos, Francia, Hong Kong, Italia, México, Portugal, Suecia, Suiza…  que han contribuido al reconocimiento internacional de la música española.

Premio Martín Codax 2016 de Música clásica contemporánea, su labor fue recogida en los documentales Son utopías (campUSCulturae de la Universidad de Santiago de Compostela, 2014), Correspondencias Sonoras (Manuel de él Río, 2013) y La lira del desierto (Manuel de él Río 2020) este último en conmemoración del 60 aniversario del nacimiento del compositor Enrique X. Macías. 

Además del CD con las obras finalistas del XXVI premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM, ha registrado para WERGO el ciclo Die Wanderung de la compositora Lula Romero, y para el sello NEOS The Dimension of the Fragile, monográfico sobre el compositor Víctor Ibarra y Peripheral Spaces, monográfico del compositor Camilo Méndez.

‍Vertixe Sonora integra a destacados solistas de música contemporánea. Este colectivo gallego favorece un espacio abierto a la reflexión, discusión e intercambio en el campo de la música contemporánea.

Desde 2021 es miembro y representa la sección española en la SOCIEDAD INTERNACIONAL DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA (ISCM).

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Alex Tentor es un guitarrista y artista sonoro con una práctica que se encuentra en la intersección entre la música experimental, la electrónica en vivo y el media art. Como guitarrista, ha actuado en festivales y salas como Witten Musiktage, Darmstadt o el Gran Teatre del Liceu, ya sea como miembro de ensembles, como solista o como autor. Su investigación actual se pregunta por la interacción entre los sistemas de automatización digital, la IA y la performatividad del cuerpo en vivo. Actualmente es profesor de guitarra en la ESMUC, en Barcelona.

Arxis Ensemble es una formación cuyo objetivo principal es completar y enriquecer la escena contemporánea actual, poniendo el foco en el gran repertorio de los siglos XX y XXI. Constituido por instrumentistas procedentes de diversas geografías y contextos artísticos, los intérpretes de Arxis Ensemble tienen un punto en común: dedicar una parte importante de su formación para especializarse en música contemporánea en diferentes centros neurálgicos europeos del panorama actual. Por esta razón, basan su actividad en un flujo constante de intercambio con nuevos compositores y compositoras, así como de contacto con diversas estéticas y manifestaciones artísticas, que van desde lo interdisciplinar y performativo hasta lo puramente instrumental, siempre reinterpretado desde una perspectiva propia y enmarcada en el presente.

Durante su primera temporada, Arxis Ensemble contó con Aitor Vázquez Torres cómo director invitado, y con Igor C Silva como compositor residente. Durante este primer ciclo de conciertos realizó diversas actividades y conciertos entorno al centenario del nacimiento de Iannis Xenakis, que alcanzó el punto álgido con la interpretación del sexteto de percusión “Pléïades” en el marco del V Festival RESIS de Música Contemporánea.

En 2022 realizó el estreno en España de la obra “Akusmata” de Beat Furrer, junto al ensemble vocal austríaco Cantando Admont, dirigido por el compositor. En 2023, la agrupación participó en la VIa edición de Festival RESIS y la 45a del Festival ENSEMS, estrenando obras de Claudia Cañamero y Hugo Gómez-Chao. También realizó el estreno en España de “La lumière du noir”, de Alberto Posadas, bajo la dirección de Nacho de Paz. Ese mismo año realiza también un concierto en la Real Academia de España en Roma, relacionado con el proyecto del compositor residente del año 2023, Hugo Gómez-Chao.

Durante la temporada 2024, el ensemble estrenará en España y Galicia obras de Alberto Posadas, Luigi Nono, Rebecca Saunders, entre otras piezas de compositores y compositoras actuales y del siglo XX, dirigido por Bas Wiegers.

Pianista y creador que investiga nuevas formas de expresión artística, combinando innovación con una relación estrecha con la música del pasado. Ha actuado en países como España, Suiza, Portugal, Alemania, Dinamarca, Inglaterra, Rusia o Nueva Zelanda como solista, en agrupaciones o con orquesta. Ha sido músico creador residente en la Pedrera (Barcelona, 2017), la Atlàntida de Vic (2020), la Marfà (Girona, Residencias internacionales 2020-2021) y en el Zamus Zentrum für Alte Musik Köln (Colonia, Alemania, 2021). Ha grabado por la WDR (Radio de Colonia, Alemania), RTVE, TV3, Canal 33, Catalunya Ràdio, Catalunya Música, entre otros.

Marigó es un músico formado como pianista clásico en el Esmuc de Barcelona (Escuela Superior de Música de Cataluña) bajo la maestría de Vladislav Bronevetsky y en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con Irina Plotnikova. Ha desarrollado su faceta como improvisador guiado por Xavier Dotras, Albert Bover, Emilio Molina, Juan de Rubia, Michael Pisaro, James Fei, Evan Parker. Amplía su formación gracias a las becas CEP, CoNCA y AIE, y apoyado por los premios nacionales e internacionales obtenidos como pianista y compositor durante la etapa de formación (Eugenia Verdet, Ciudad de Manresa, Ricard Viñes, entre otros).

Es profesor de improvisación en la Esmuc y en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Está especializado en la Metodología IEM (Instituto de Educación Musical Emilio Molina).

La directora grancanaria Carmen Brito nace en Las Palmas de Gran Canaria en 1976. Comienza su andadura musical bajo la tutela de su padre, el compositor Francisco Brito Báez.

Desde 2002 es violinista de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria.

Interesada en la disciplina de la dirección orquestal y coral, recibe enseñanzas de maestros como Antoni Ros Marbá, Karel Mark Chichon, Francesc Llongueres, Jordi Mora, Digna Guerra, Johan Duijck, Nestor Andrenacci, entre otros.

Ha dirigido varias corales amateur de Gran Canaria (Haderech, Fernando Marrero Pulido, Franbac, Radio Ecca...) En 2018 asumió la dirección de varias obras de compositores canarios, siendo invitada a dirigir el Taller de Composición del Conservatorio Superior de Música de Canarias para asumir el estreno de varias obras compuestas por el alumnado de este centro.

En el ámbito de la dirección orquestal ha dirigido el “Stabat Mater” de su padre Francisco Brito en un concierto homenaje al compositor tras su muerte. Se ha encargado de la dirección de la orquesta y banda del Curso Musical de Verano Inegale desde su IX edición en 2018, que se celebra anualmente en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria. Asimismo ha dirigido en diversas ocasiones formaciones de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, como por ejemplo el concierto programado por la OFGC dentro del ciclo OFGC 21 Una orquesta para la isla.

En los últimos años ha ampliado su formación en dirección orquestal con el maestro Miguel Romea, así como con el maestro Andrés Salado. Ha sido directora asistente del maestro Juanjo Mena en un programa de la temporada 2020-2021 de la Orquesta Sinfónica de Tenerife con el violonchelista Pablo Ferrández. A su vez, ha asistido al maestro K.M. Chichón con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria en un programa de la temporada 2021-2022 con el pianista Rudolf Buchbinder. En 2021 fue invitada a dirigir la Sapere Aude Sinfonietta en el 37 Zumaiako Musika Jaialdia dirigiendo un arreglo para orquesta de cámara de Rosenkavalier de R. Strauss realizado por George Morton que supuso un estreno en España.

En octubre de 2022 dirigió la primera representación en Las Palmas de G.C. de Orfeo ed Eurídice de W.Gluck en el Teatro Pérez Galdós organizado por el Taller lírico de Canarias.

DifrAcción Ensemble surge como una necesidad de respuesta al abordaje de aquellas músicas que no son incluidas en las programaciones regulares de los auditorios, agrupaciones y circuitos habituales: la académica contemporánea del Siglo XXI. En particular su foco de atención está puesto en la composición actual y glocal, y la interpretación de estrenos, destacándose su labor de difusión del arte sonoro del archipiélago e Hispanoamérica. Su actividad no solo se acota a España si no que también se ha extendido internacionalmente a países como Italia, Argentina Islas Feroe, etc.

Su plantilla flexible -y abierta a la performance y al uso de electrónica- también cumple una finalidad inclusiva de formación de músic@s en el abordaje de las nuevas técnicas, estéticas y grafías. Integrada por un tronco de intérpretes de trayectoria nacional e internacional, invita regularmente a jóvenes músicos destacados que se inician en el mundo de la interpretación de la música de hoy, posibilitando su capacitación acompañados de la tutorización de docentes ejecutantes y compositores experimentados en el área. Hemos contado con la colaboración de figuras de la talla de Fabian Panisello, Attilia Kiyoko Cernitori, o nuestro habitual Gustavo Díaz-Jerez.

Su programa suele estar conformado por obras de autores canarios vivos pertenecientes a COSIMTE y PROMUSCAN (las asociaciones de compositores y musicólogos de Tenerife y Gran Canaria), que fueron compuestas en este siglo y que se interpretan, en su mayoría, por primera vez, y complementada por piezas de autores de origen internacional. En esta oportunidad también incluiremos el particular sonido del Pito Herreño de concierto.

No podemos olvidar la labor pedagógica y divulgativa que el Ensemble realiza y sus presentaciones dialógicas con el público. Esta agrupación, con casi una década de historia, continúa ocupándose en el archipiélago de un espacio que jamás debió ser abandonado: el arte sonoro de aquí y ahora.

Dori Díaz Jerez nace en Santa Cruz de Tenerife, en cuyo Conservatorio inicia sus estudios musicales de piano, graduándose con matrícula de Honor bajo la dirección del Catedrático Jesús A. Rodríguez Martín.Amplía sus estudios de Piano en Nueva York con Solomon Mikowsky, al mismo tiempo que recibe clases de Composición de Giampaolo Bracali.Posteriormente estudia composición en New School University –Mannes College of Music-, Nueva York, graduándose con las máximas calificaciones bajo la dirección de Robert Cuckson. Obtiene el Premio Bohuslav Martinů en el año 2001.Sus obras han sido estrenadas en diversas salas como el Auditorio de Tenerife, Auditorio Alfredo Kraus en Gran Canaria, Fundación Juan March en Madrid, Concert Hall de New School University, Nueva York, Grieg Hall de Bergen, Noruega, etc.En 2005 se estrena su obra “Nocturnal” para Orquesta bajo la batuta de I. Ramos Triano con la Sinfónica de Tenerife.En 2006 la Orquesta de la Residencia de la Haya interpreta su tercera obra sinfónica, encargo del XXII Festival de Música de Canarias bajo la dirección de Jaap Van Zweden.En 2007 se estrena su obra para órgano “Continuum” interpretada por el organista Liuwe Tamminga con motivo del “Ciclo de Órgano Histórico de Canarias”.Este mismo año estrena también dos canciones para Soprano y Piano, interpretadas por María Orán y Chiky Martín dentro del II Ciclo de Música Hispana en el Teatro Guimerá de Tenerife.Su obra para orquesta de cámara “Écliptique” ha sido escuchada en varias ciudades de Europa: Zagreb, Maribor, Milán, Berna, Frankfurt, Berlín, Viena, Bratislava y Budapest durante una gira realizada por la Hungarian Chamber Simphony Orchestra con Alberto Roque como director.También ha representado a la música canaria en conciertos celebrados en Beijing, Tokio, Nueva York, Toulouse y Chicago durante una gira efectuada por el cuarteto de cuerdas “Teobaldo Power” en 2009.“El Testamento”, obra de cámara inspirada en textos de Elsa López, ha sido interpretado en 2008 en la Freedom Tower, Miami y en 2010 en el Teatro Philharmonie en Essen, Alemania.“Hyadae”, obra para silbo gomero y cuarteto de cuerdas se ha escuchado en Rabat, Casablanca y Marrakech en 2010 y en Sidney en 2011.“Helix” obra para cuarteto de percusión fue escuchada en el Teatro della Società en Lecco, en un concierto enmarcado en el Festival Internacional de Física en 2011, celebrado en Italia. La obra fue interpretada por el cuarteto Tak-Nara.Ha participado en el proyecto multidisciplinar “ En el Tapete del Mar” con la obra para piano, clarinete y percusión “El Tiempo de la Mar” que fue estrenada en el instituto Cervantes de Estocolmo en 2011.Ha obtenido el Diploma de Estudios Avanzados (D.E.A.) bajo la dirección de Rosario Álvarez Martínez, dentro del programa de doctorado “Escenarios abiertos: lo multicultural en el arte y en la música”.Dori Díaz Jerez ha colaborado con el proyecto R.A.L.S.- CD para la difusión del Patrimonio Musical de Canarias.Ha formado parte del Departamento de Composición del Conservatorio Superior de Música de Canarias desde el año 2005.

Paco Varoch (flauta / piccolo)

Tras recibir educación musical en Alzira, Valencia, Paris y La Haya, estudiando con Mª Angeles Grau, Jaime Martín, Andràs Adorjàn y Marianne Henkel- Adorjàn, inició su experiencia orquestal con la Sinfónica de Galicia como especialista de flautín. En este marco realizó el estreno en España del concierto para flautín y orquesta ‘Piccolo Concerto’, de Valentino Bucchi. Ha actuado como solista junto a la Sinfónica de Antioquia (Colombia). En 2005 comienza su carrera como músico independiente, tocando con la Chamber Orchestra of Europe, Orquesta de Paris, Camerata Berna, Les Dissonances, Ensemble Resonanz de Hamburgo, MusicAeterna y actualmente es “associate member” de la Mahler Chamber Orchestra, tocando como solista el Concierto de Vivaldi en el Festival de Música de Cartagena (Colombia). También formó parte de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orquesta Mozart de la Academia de Bolonia, bajo la dirección de Claudio Abbado. Paco Varoch también ha sido profesor invitado en el Conservatori Superior de Música del Liceu de Barcelona. Ha impartido cursos de flautín en el Muzik-Centrum de Dortmund, ha sido profesor invitado por la Filarmónica Joven de Colombia y Jove Orquestra Nacional de Catalunya.

Benedicte Palko (piano)

Fundadora y directora artística del Festival Internacional de Música de Cámara ‘Joaquín Turina’, que se celebra cada dos años en Sevilla. Desde 2004 es catedrática de música de cámara en MUSIKENE, Centro Superior de Música del País Vasco. Completó su larga formación con el Título Superior y Postgrado como Solista de Piano en la Academia Superior de Música en Oslo (Noruega) y la Real Academia Danesa de Música con el catedrático José Ribera. Una beca de la fundación estadounidense Fulbright permitió que completara sus estudios con el legendario pianista húngaro György Sebök en la Universidad de Indiana (EEUU), en 2000, alcanzando un postgrado de solista en el programa "Artist Diploma".Benedicte ha grabado obras de Shostakovich y Prokofiev con el violinista Sakari Tepponen en el sello Classico y participa en numerosas grabaciones en directo para las radios nacionales de España y Noruega.

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Con la fundación del Ensemble Lothar Siemens, en marzo de 2021, se rinde homenaje, bajo el amparo de sus descendientes y de la propia asociación, a este compositor y musicólogo que tanto hizo por la divulgación de la composición y la música desarrollada en las islas.

El Ensemble Lothar Siemens es una formación flexible y mixta creada en el seno de Promuscan, asociación para la promoción de la música culta elaborada en Canarias. El deceto está formado, para esta ocasión, por los músicos Ana Muñoz Bernardeau (flauta), María Pérez (oboe), Pablo López (clarinete), Carolina Santana (fagot), Rubén Ortega (trompa), Néstor Henríquez (violín), Dario Marongiu (violín), Silvia Vega (viola), Tania Cantallops(chelo) y José María Curbelo (piano).

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El Ensemble del Conservatorio Superior de Música de Canarias es un grupo de reciente creación, dirigido por el maestro José María Vicente, cuyo objetivo es formar a las nuevas generaciones de intérpretes en la música académica actual. También, y abarcando el repertorio de los siglos XX y XXI, realiza una labor de difusión de la música de compositores contemporáneos, completando esta tarea con charlas didácticas. 

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Natural de Arucas (Gran Canaria), el pianista y compositor Ernesto Mateo realiza su formación musical en Canarias, licenciándose con las máximas calificaciones y recibiendo lecciones de grandes pianistas como Nicolai Lugansky, José Luis Castillo o Galina Neporozhnya; y de compositores como Laura Vega, Daniel Roca o Agustí Charles Soler.Es el artista más joven al que se ha otorgado el premio Excellens en música, que la Real Academia Canaria de Bellas Artes concede a un creador que denote "una notable capacidad técnica en su arte, unida a una marcada personalidad y originalidad". Su catálogo abarca todo tipo de géneros, desde la ópera a la electroacústica, con más de 60 obras que incluyen primeros premios en concursos de composición nacionales e internacionales, como el Dolors Calvet, el Antón García Abril o el María Orán.Formaciones como la Orquesta del Atlántico, la Orquesta Sinfónica de Montevideo o la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria han interpretado su música. Esta última, dirigida por maestros como Gunther Herbig, ha estrenado la mayoría de sus piezas sinfónicas, entre ellas la cantata Montañas Sagradas de Gran Canaria, escrita para conmemorar la declaración del yacimiento arqueológico de Risco Caído como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Se interesa también por la música para medios audiovisuales, cursando estudios de máster en la Universidad Internacional de La Rioja y creando la banda sonora de diversos documentales emitidos por RTVE como Islas Canarias, las hijas del volcán, y ¿Cuánto vale una ballena?, así como las músicas adicionales para la segunda temporada de Acoustic Home, emitida en HBOmáx.Como intérprete, actúa tanto de solista como colaborando con diversas formaciones en salas como el Auditorio Alfredo Kraus, Teatro Pérez Galdós, Teatro Leal o el Auditorio Adán Martín; y en festivales como El mundo en un piano o el Festival de Música de Canarias. Su repertorio abarca tanto obras clásicas como estrenos de compositores actuales, además de piezas propias como su Concierto para piano de juguete y orquesta. Especialista en música de cámara, lidera la formación Máximum Ensemble, con la que recorre el archipiélago enfocándose en la producción de autores minimalistas como Philip Glass o Arvo Pärt.Compagina su actividad interpretativa y compositiva con la pedagogía musical, trabajando como profesor de Piano y de Composición en los distintos conservatorios de la región. Entre sus próximos proyectos se encuentra la publicación de un libro en el que aúna sus conocimientos de composición y de técnica pianística.

Compositor, intérprete y artista audiovisual afincado en Basilea (Suiza).

En sus obras explora los límites de los géneros, creando cruces inesperados con reminiscencias de la música electrónica y pop. Sus obras se caracterizan por sus texturas iridiscentes, pobladas por comunidades de organismos sonoros. Ritmos palpitantes y coloridos drones también forman parte de su paleta sonora. En sus piezas, el oyente se sumerge en una dramaturgia de gestos efímeros de gran vitalidad, organizados en capas translúcidas. Trabaja con una amplia gama de materiales, desde instrumentos preparados, voces procesadas, objetos, sintetizadores modulares y digitales, hasta elementos teatrales y vídeo. Estudió en Suiza, Francia, Estados Unidos y Argentina.

Francesc Isern, artista visual, ha participado en distintos espacios museísticos y performances, como, Centre d’arts Santa Mónica, Teatre Nacional de Catalunya, Teatre Lliure, Teatre Biblioteca de Catalunya, Teatre Romea, Skanes Dans Theatre, Taipei Dance Forum, La Colline (París).

Formado en Arte Electrónico ESDI (Ramon Llull) y en el Institut del Teatre. Desarrolla su labor como artista visual audiovisual. Premiado con el MAC Innovación 2009 y seleccionado en el Festival MINIPUT. Trabaja con directoras como Georges Lavaudant, Guy Cassiers, Marina Mascarell, Oriol Broggi, Joan Ollé, Carol López, Julio Manrique, Marc Rosich, Àngel Llàcer.

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Conocida por sus convincentes caracterizaciones de heroínas de ópera, tanto principales como secundarias, la mezzo soprano Fredrika Brillembourg combina un vocalismo experto con una presencia escénica única y unas apasionadas dotes interpretativas. Como narradora en el estreno en Estados Unidos de El cuervo, de Toshio Hosokawa, estuvo "vocalmente afelpada y dramáticamente valiente" (Anthony Tomassini, NY Times), "incansable y asombrosamente ágil mientras cantaba los solos imposibles con sensualidad y belleza perdurable" (Martin Bernheimer, Financial Times). La Sra. Brillembourg se siente a gusto tanto en papeles de ópera clásica como en música contemporánea.

KEA es uno de los coros de cámara de referencia dentro del panorama vocal estatal. Creado en 1997 como instrumento profesional para la interpretación de las grandes obras del repertorio coral menos frecuentado de los siglos XX y XXI, con una especial sensibilidad hacia los autores vascos, desarrolla desde su formación una intensa actividad de conciertos, estrenando un buen número de obras, muchas de ellas escritas para la propia agrupación. Es el único conjunto profesional de estas características en el País Vasco.

A lo largo de los años ha interpretado obras de Agustí Charles, Gabriel Erkoreka, Juan José Eslava, Zuriñe Gerenabarrena, Félix Ibarrondo, Joan Magrané, Aurélio Edler-Copes, Jesús Ma Sagarna, Joseba Torre, Enrique Vázquez, Ma Eugenia Luc, Javier Busto, Eva Ugalde, Javier Bello-Portu, Marcos Castán, Nacho Ferrando, Rubén Cid, David Azurza y Xabier Sarasola entre otros, estrenando obras de muchos de ellos. KEA ha realizado también primeras interpretaciones en el País Vasco de obras de compositores de la talla de Karlheinz Stockhausen, Arnold Schönberg, Luis de Pablo, Per Nörgård, Pascal Dusapin, Nicolas Bacri o Morton Feldman.

KEA actúa habitualmente en festivales y ciclos de música contemporánea dentro y fuera de nuestras fronteras (Francia, Bélgica, Italia, Argentina y Uruguay), en solitario
o colaborando con músicos de la talla de Iñaki Alberdi, Josu Okiñena, Fahmi Alqhai, Leonardo García Alarcón, Naoko Kikuchi, Jordan Sramek, el coro Mikrokosmos (dirigido por Loïc Pierre), Robert Pajewski o Elena Martínez de Murgia, entre otros.

En su discografía encontramos obras vocales de Nicolas Bacri, Jean-Yves Daniel-Lesur, Thomas Jennefelt, Per Nørgård, Marcos Castán, David Azurza, Sven-David Sandström... así como la obra completa a cappella de Javier Bello-Portu en un doble CD o la emblemática obra de Luis de Pablo Zurezko Olerkia (Poema de madera), escrita para grupo vocal e instrumentos de percusión de madera (entre los que destaca la txalaparta). Kea estrenó esta obra en el País Vasco en el año 2000 y ha vuelto a presentarla recientemente con motivo del 90° cumpleaños de de Pablo.

KEA fue seleccionado para el 9° Simposio Mundial de Música Coral, organizado por la IFCM (International Federation for Choral Music) en Argentina.

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Enrique Azurza

Director y fundador del grupo vocal KEA ahots taldea, especializado en música antigua y contemporánea, desde 1997. Es también director artístico de la Sociedad Coral de Bilbao desde abril de 2016 y director del coro Hodeiertz abesbatza de Tolosa desde 1985. Director invitado por el Coro de RTVE y el coro St. Jacob de Estocolmo entre otros.

Estudió dirección de coro en el País Vasco y en Estocolmo, con Anders Eby, becado por la Diputación de Gipuzkoa y realizó cursos de especialización con los profesores Eric Ericson y Carl Høgset. Invitado por la IFCM (Federación Internacional de Música Coral) en dos ocasiones en el marco del Simposio Mundial de Música Coral: Sydney 1996 y Puerto Madryn (Argentina) 2011.

Gustavo Díaz-Jerez es uno de los máximos exponentes de la interpretación y la creación musical en España. Como compositor sus obras han sido estrenadas por prestigiosos intérpretes y agrupaciones, dentro y fuera de España. En 2011, su obra orquestal Ymarxa, obra encargo del XXVII Festival de Música de Canarias fue estrenada por la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Charles Dutoit. Sus obras orquestales Aranfaybo, Ayssuragan, y Chigaday, parte de un ciclo de siete obras inspiradas en cada una de las islas Canarias han sido interpretadas con gran éxito de público y critica. El CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) le ha encargado obras dentro de su ciclo XX/XXI. Recientemente el Cuarteto Granados estrenó su cuarteto Critical Strip. En 2018 obtuvo el primer premio del concurso de composición de la Fundación Martín Chirino con su obra Spectra Fractalis. Sus obras están publicadas por Composer’s Edition. Como pianista ha actuado en la mayoría de los auditorios españoles y muchos de los principales a nivel mundial (Carnegie Hall y Alice Tully Hall de Nueva York, Musikverein de Viena, Concertgebouw de Amsterdam, Royal Festival Hall de Londres, etc.). También ha sido solista de la mayoría de las principales orquestas españolas y de importantes formaciones extranjeras (Budapest Festival Orchestra, Orquesta Sinfónica de Turín, Berliner Symphoniker, etc.), bajo la batuta de directores como Ivan Fischer, Adrian Leaper, Lü Jia, Víctor Pablo Pérez, entre otros. Así mismo es habitualmente invitado a importantes festivales como el Festival de Música de Canarias, Quincena Musical Donostiarra, Festival de Granada, etc.Es asimismo autor del programa informático “FractMus”, dedicado a la exploración de la composición algorítmica, y sus artículos sobre la materia han sido publicados en prestigiosas publicaciones especializadas como Electronic Musician y Leonardo Music Journal del MIT. Ha impartido numerosos cursos y conferencias sobre tecnología aplicada a la creación musical. Destacado intérprete de la música española, en 2010 le fue concedida la Medalla Albéniz, galardón que también recibió Alicia de Larrocha, por su grabación y difusión de Iberia. Entre su extensa discografía también está la grabación de la obra completa para piano de Manuel de Falla (SEDEM), música para piano de Teobaldo Power (RALS). Ha grabado por primera vez en video de alta definición la Iberia de Albéniz con el sello Orpheus. Así mismo, ha grabado, también para el sello Orpheus, un CD con obras propias para viola d’amore y piano, junto al violista Sviatoslav Belonogov. En 2018 vió la luz un CD monográfico con obras de piano propias, Metaludios for piano, editado por el sello IBS Classical.Natural de Santa Cruz de Tenerife, Gustavo Díaz-Jerez fue discípulo de Jesús Ángel Rodríguez Martín en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal y posteriormente, de Salomon Mikowsky en el Manhattan School of Music, donde también estudió composición con Giampaolo Bracali y Ludmila Ulehla. También es Académico de número de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, y desde 2002 es profesor de piano del Conservatorio Superior de Música del País Vasco “Musikene”.

José Luis Perdigón de Paz es un compositor e intérprete canario (España) afincado en Berlín. En sus obras explora estructuras temporales como forma de expresión, connotaciones visual-espaciales del timbre y proyecciones auditivas internas a través de objetos sonoros extraños, la repetición obsesiva y la subversión en el uso del silencio.Ha participado en festivales como Impuls (Graz), Musik der Jahrhunderte (Stuttgart), Darmstadt Ferienkurse, Mixtur Festival, Monat der zeitgenössischen Musik y el Festival Internacional de Música de Canarias. Ha recibido encargos de Ensemble Ascolta, Vertixe Sonora, Brandenburgisches Staatsorchester Frankfurt, Orquesta de Valencia, Sonido Extremo & Kollektiv Unruhe y sus obras han sido estrenadas por el Trio Accanto, Les Percussions de Strasbourg, Schallfeld Ensemble, Trio Abstrakt, Kebyart Quartet, PHACE y Trio Catch, entre otros.Fue galardonado con el XIX Premio Internacional Joan Guinjoan para Jóvenes Compositores (2021) y es cofundador, compositor e intérprete del Kollektiv Unruhe, un colectivo berlinés de compositores e intérpretes enfocados en la nueva creación.

Titulado en Dirección de Orquesta por el Conservatorio de Viena con el maestro Reinhard Schwarz (1994-98). Ha tomado parte activa en numerosas clases magistrales, destacando las de Bernard Haitink, Vladimir Fedosejev y el programa de dirección de orquesta del prestigioso Tanglewood Music Center, campus de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Ha estado al frente de orquestas como la Orquesta Mozart de Viena, Sinfónica de Lucerna, KV Ensemble, Camerata Clásica de Canarias, Sinfónica de Tenerife, Tenerife Antigua, Ensemble Difracción, AEDE Ensemble, Orquesta clásica de Lanzarote y por supuesto, la Orquesta del Conservatorio Superior de Música de Canarias, donde ejerce su labor docente. Ha dirigido varias ediciones del proyecto “Inter-Artes” del Gobierno de Canarias, destacando las producciones de “Lucia di Lammermoor”, “Rita” ambas de G. Donizetti y “Adios a la Bohemia” de P. Sorozabal.

En 2022, asume la dirección musical del Ensemble Difracción, formación especializada en la difusión de la música contemporánea y residente del Festival “El Contemporáneo” del Festival Internacional de Música de Canarias. Especialmente elogiada por la crítica fue la producción de Pierrot Lunaire de A. Schoenberg en la edición de 2022 junto a la soprano Sonia de Munk y el pianista Javier Laso.

Desde 2023, es también director principal de la Orquesta Clásica de Lanzarote. Su actividad más reciente incluye la grabación en el Convento de Teguise del Requiem de W. A. Mozart junto a la Coral Reyes Bartlet, Vivaldi y Haydn junto al Coro Contemporáneo de Tenerife y Tenerife Antigua y el estreno en España de la Cantata d’Amore (1984) del compositor David Krivitsky, junto al Aede Ensemble y la mezzosoprano Cristina Faus.

Ha estado presente en algunos de los eventos más significativos de la vida musical canaria, como el Festival Internacional de Música de Canarias, Festival de Ópera de Tenerife, Festival de Música Visual de Lanzarote, Festival de Teatro y Danza y la temporada de conciertos de la Sociedad Filarmónica de Las Palmas de Gran Canaria, recibiendo el aplauso del público y la crítica especializada.

Compositor, ensayista y crítico musical nacido en Las Palmas de Gran Canaria (España) en el seno de una familia de artistas plásticos.Actualmente reside en Madrid, donde obtiene el título de profesor superior de guitarra clásica en el Real Conservatorio Superior de Música, y realiza estudios de composición con Juan José Falcón Sanabria, Valentín Ruiz y Agustín González Acilu. Asiste también a cursos específicos y master class con Javier Darias, Leo Brouwer, Adolfo Núñez, Salvatore Sciarrino y Brian Fernyhough.Juan Manuel Ruiz es Académico Correspondiente Residente de la “Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel” (RACBA) desde 2011.Su producción musical abarca obras para instrumentos solistas, música de cámara, mixta y sinfónica.Sus obras han sido estrenadas en diferentes festivales y foros musicales de España, US, Alemania, Austria, Holanda, Reino Unido, Italia, Montenegro y Venezuela: Auditorio Nacional de Música de Madrid (Sala Sinfónica y Sala de Cámara), Concertgebouw de Amsterdam, Konzerthaus de Viena, Cadogan Hall de Londres, Lehman Theatre de Miami, Kleiner Konzertsaal, Gasteig, de Munich, Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas, Auditorio de Tenerife, Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, Teatro La Laboral de Gijón, Teatro Auditorio de Cuenca, Auditorio de Ferrol, Palacio de la Ópera de A Coruña, Palau de La Música de Valencia, "Petit Palau" del Palau de la Música de Barcelona, Fundación BBVA Bilbao, Teatro Real, Círculo de Bellas Artes, Fundación Juan March, Auditorio Fundación Canal, Auditorio Conde Duque, Teatros del Canal, III al X Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid (COMA 2001 al 2017), IV al VI Festival de Música Contemporánea “Auditorio Tres Cantos” (Madrid), “Concierto Día de Canarias” (2006), Ciclo “Música para el Tercer Milenio” (Fundación Sax-ensemble), Proyecto de Promoción de la Música Contemporánea de Canarias “Islas Sonoras” en Madrid, Música contemporánea desde Canarias (Ciclo Septenio), Ciclo de conciertos “Autunno Musicale (V Stagione)” del Conservatorio Statale di Musica di Latina y “Festival Chitarristico della Toscana” (2007), en Italia, el “Bar Guitar Festival 2008”, en la ciudad de Bar, en Montenegro, los “Institutos Cervantes” de Berlín, Bremen y Manchester, el XVI Festival Latinoamericano de Música en Caracas, el 2014 Chicago Latino Music Festival and Expo Chicago Art Week y la 53 Semana de Música Religiosa de Cuenca.Sus composiciones han sido interpretadas por figuras y formaciones de reconocido prestigio internacional, destacando los directores de orquesta Leonard Slatkin, Gerd Albrecht, Maximiano Valdés, Victor Pablo Pérez, The Netherlands Symphony Orchestra, la Orquesta Nacional de España (ONE), la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (OSPA), la Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG), la Orquesta y coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST), la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta Sinfónica de Las Palmas, la Joven Orquesta de Canarias (JOCAN), el Coro de RTVE, los guitarristas Eduardo Fernández, Arturo Tallini y Gabriel Estarellas, el “Frank Stadler Quartet” de Salzburgo, el “Kammerensemble Modern der Deutschen Oper Berlin”, el grupo “Sax-ensemble”, el grupo de música barroca “La Folía”, el Ensemble Kuraia, el clarinetista Cristo Barrios, el pianista Evgeny Konnov o el violinista Manuel Guillén, entre otros. Ha recibido importantes encargos, entre los que destacan los realizados por el “23 Festival de Música de Canarias” (2007), con la obra para gran orquesta titulada “Nebula”, “Travesía sonora, para guitarra y orquesta”, por el XIII Festival Internacional de Guitarra de Canarias (2003), la Fundación Sax-ensemble, el grupo La Folía, el Quantum Ensemble, “Program for Cultural Cooperation”, para el guitarrista norteamericano Adam Levin, la Fundación Canal de Isabel II y la Fundación Orquesta y Coro de Madrid, así como la obra obligada contemporánea de piano para el 55º Concurso Internacional de Piano "Premio Jaén", de 2013. Ha sido homenajeado en el 18 Concurso Internacional de Piano "Compositores de España", edición Juan Manuel Ruiz, en Las Rozas (Madrid) y nombrado "padrino" de excepción de la V Edición del Concierto de Laureados del Máster en Composición con Nuevas Tecnologías de UNIR.Algunas de sus obras han sido editadas por EMEC y grabadas por el sello internacional NAXOS, la Fundación Autor, Sello Autor, Sello RALS y Radio Clásica, RNE.Actualmente colabora como crítico musical en la prestigiosa revista RITMO.

Nació en Gran Canaria, España, en 1978. Estudió piano, oboe y composición en el Conservatorio Superior de Música de Las Palmas y en la Academia de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, recibiendo clases de composición de Daniel Roca y Xavier Zoghbi.Ha obtenido el Título Profesional de Oboe y los Títulos Superiores de Piano, Solfeo y Composición, obteniendo por esta especialidad el Premio Fin de Carrera. Amplió su formación con José Luis de Delás en la Universidad de Alcalá de Henares y con José Mª Sánchez Verdú en la Escuela Soto Mesa de Madrid. En 2016 obtuvo el doctorado en la Universidad de La Laguna, Tenerife.Su catálogo cuenta con más de setenta obras. Sus trabajos discográficos aparecen en sellos como Neos, Naxos, RALS, Piccolo, Centro de Documentación Musical de Andalucía, SGAE, Fundación Autor, etc. Entre su producción destaca el Concierto para oboe y dos grupos orquestales (encargo de la Fundación Autor, SGAE y AEOS), Imágenes de una isla para orquesta y silbo gomero (encargo del Cabildo de La Gomera), In Paradisum, concierto para piano y orquesta (encargo del 26 Festival de Música de Canarias), Pater Noster para coro y orquesta de cuerda (Mención de Honor en el IV Premio Internacional de Música Sacra Fernando Rielo), Ángel de luz, doble concierto para percusión, orquesta de cuerda y arpa (encargo de la Fundación SGAE y la AEOS), Galdosiana para orquesta (encargo de la Joven Orquesta de Canarias y la Orquesta Nacional de España) y Luz, Amor y Éxtasis concierto para guitarra y orquesta (encargo del 39 Festival Internacional de Música de Canarias). Su música ha sido interpretada por orquestas como la Scottish Chamber Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Dresde, la Orquesta Nacional de Colombia, la Orquesta Nacional de España, la Orquesta de Radio Televisión Española, la Orquesta de Extremadura, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta de Córdoba, la Oviedo Filarmonía, la Orquesta Sinfónica de Navarra, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Orquesta Sinfónica de Las Palmas, la Joven Orquesta de Canarias, entre otras. Ha trabajado con directores como Rafael Frühbeck de Burgos, Michail Jurowski, Lü Jia, Pedro Halffter, Georg Fritzsch, Juanjo Mena, Antoni Ros-Marbà, François López-Ferrer, Carlos Miguel Prieto, José Luis Temes, Maxim Emelyanychev, Lucía Marín, Manuel Busto, Lucas Macías, Guillermo García Calvo, Andrés Salado, José Luis Gómez, entre otros.Entre 2008 y 2011 fue Presidente de la Asociación de Compositores de Las Palmas Promuscán. Entre 2003 y 2021 fue profesora de Composición del Conservatorio Superior de Música de Canarias. Actualmente es profesora del Conservatorio Profesional de Música de Las Palmas de Gran Canaria. Desde 2011 es Académica Numeraria de la Real Academia Canaria de Bellas Artes.

Graduado en composición, armonía, contrapunto y morfología musical por la Universidad Nacional de La Plata, doctorado en Análisis Musical y Composición por la UCV por su disertación: «Tango y Música Contemporánea: Piazzolla y Rovira», y Máster en Estética y Creatividad Musical por la Universidad de Valencia.

Como docente ejerce en calidad de Venia Docendi en la Universidad de La Laguna, tutor de máster en la Universidad Internacional de Valencia y profesor en el Conservatorio Superior de Música de Canarias en las áreas de composición, orquestación, armonı́a, análisis musical, contrapunto, interpretación de la música contemporánea, música popular, música de los siglos XX y XXI e historia de la música contemporánea y arreglos musicales.

Lucas Vidal, nació y se crió en Madrid. Después de estudiar con una beca en el Berklee College of Music, recibió su título de licenciatura con Summa Cum Laude y se mudó a Nueva York, donde estudió en la Escuela Juilliard. El compositor español hizo historia en el Berklee College of Music de Boston al ser el estudiante más joven en componer una banda sonora para una orquesta de 80 músicos y grabarla. Continuó sus estudios con Richard Danielpour, compaginándolos con su asistencia a la Juilliard School of Music de Nueva York. Vidal, de 28 años de edad, ya tiene experiencia en Hollywood; en 2012 grabó las bandas sonoras de “El enigma del cuervo”, protagonizada por John Cusack, y “La fría luz del día”, con Bruce Willis, Sigourney Weaver y Henry Cavill. Además, fue el responsable de la banda sonora de la exitosa cinta del español Jaume Balagueró, “Mientras duermes”. Ya tiene en su filmografía más de 13 películas, además de numerosos proyectos con obras sinfónicas estrenándose en salas internacionales, tales como Boston Symphony Hall, Disney Hall, y otras, además de haber compuesto música para Ballet. En 2011, Vidal fue nominado a mejor compositor revelación del año por la Asociación Internacional de Críticos de Música de Cine (IFMCA) El joven madrileño Lucas Vidal, es el compositor de música para cine más jóven de la historia de Hollywood en componer una banda sonora de una gran produccion, con Fast and Furious 6, se incorpora a la exitosa franquicia como compositor de la banda sonora de la sexta entrega de la saga, que será una mezcla de sonidos electrónicos y orquestales con toques europeos que reflejen la esencia de las islas Canarias y Londres, escenarios donde transcurre la película.

Rubens Askenar, de origen canario afincado en Londres, es compositor, investigador, profesor de composición en la Royal Academy of Music de Londres y compositor asociado de Quantum Ensemble. Su actividad creativa engloba todo tipo de géneros y formas, emergiendo desde la experimentación y creación de modelos compositivos basados en la práctica multi- instrumental y el desarrollo tecnológico.Ha recibido encargos y participado en prestigiosos festivales y muestras de nueva creación como el Mata Festival (New York), Gaudeamus, Muziekgebow (Amsterdam), Huddersfield (UK), reMusic (Rusia), Sampler Series (Barcelona), XI Festival de Ensembles, Jornadas de Música Española (Madrid), Festival Internacional de Música de Canarias, entre muchos otros. Recientes encargos (2022) incluyen Bronze Clinics, ciclo de piezas para percusión encargado por la Royal Academy of Music en celebración del 200 aniversario de la institución. In situ, composición a tiempo real, encargo del conjunto experimental Ensemble Resilence y Muziekgebow. Lloro del Vino. O alegoría de las heridas, obra sinfónica de largas dimensiones, encargo de la SGAE y AEOS para la Orquesta Sinfónica de Tenerife.La obra de Askenar ha sido ampliamente laureada, entre numerosos premios de composición destacan el Priaulx Ranier Composition Prize, Alan Bush Composition Prize, Howard Hartog scholarship, Mosco Carner Award, G V Turner-Cooke Composition Award, Pullen Memorial Prize, etc. Además, ha recibido diferentes galardones Internacionales como en el Festival Internacional de Invierno de Brasil, el segundo premio en el concurso internacional de composición Frederic Mompou, Premios Injuve, mención honorífica en el concurso de composición Colegio de Españade París, entre otros.Rubens Askenar ha recibido un extensa educación musical. Se gradúa con matricula de honor en el Conservatorio Superior de Música de Canarias, cursando estudios con Miguel Ángel Linares. Expande sus estudios de composición en el conservatorio de Santa Cecilia de Roma recibiendo clases de Francesco Carotenuto y master clases de Salvatore Sciarrino. Posteriormente realiza un postgrado en el Conservatorio Superior de Música de Aragón estudiando con José María Sánchez Verdú y un Máster en composición en la Royal Academy of Music, estudiando con Simon Bainbridge y recibiendo máster clases de Oliver Knussen y Michael Finnissy, graduándose con matrícula de honor y DipRAM, obteniendo la nota más alta en la historia del Master de composición en la Academia. Seguidamente completa su doctorado, ejerciendo actualmente la posición de profesor titular de composición e investigador en la Royal Academy of Music de Londres. Las obras de Rubens Askenar están publicadas por la editorial inglesa Composers Edition.

Víctor Barceló (1991) es un polifacético percusionista canario cuyo trabajo abarca desde la percusión clásica hasta la música de vanguardia.

Como creador de espectáculos, su música está fuertemente influenciada por el techno, el free jazz, el noise y el minimalismo, experimentando con medios visuales y diferentes formatos de concierto.

Ha presentado su trabajo en festivales de Japón, EE.UU, Argentina, Palestina, Cuba, Uruguay, Chile y en gran parte de Europa en salas como el Staatsoper Berlin, Royal Danish Opera House, Musikverein Wien, Alexandrinsky Theatre St. Petersburg y Kölner Philarmonie entre otras. Entre el 2014-2016 estuvo al frente de la clase de percusión del Conservatorio Superior de Canarias y desde 2019 es profesor en el Konservatorium Winterthur en Suiza. También ha dado conferencias en centros de referencia como el Royal College of Music London, Columbia University NYC y Universidad de Santiago de Chile.

En el campo de la música contemporánea ha colaborado con compositores como Simon Steen Andersen, Michael Maierhof, Stefan Prins, Alberto Bernal, Georges Apperghis, Marko Ciciliani, Jürg Frey, Hannes Seidl, Mathias Spahlinger, Philippe Manoury y una gran cantidad de jóvenes compositores de su generación.

Activo miembro de la escena de libre improvisación española y suiza, actúa frecuentemente con Wade Matthews y Chefa Alonso.

Es licenciado con honores por la Hochschule für Musik Basel, donde aprendió con su profesor Christian Dierstein y de todos sus compañeros. También en esta misma institución pudo desarrollar su lenguaje como improvisador con el guitarrista Fred Frith. Actualmente es comisario del ciclo VANG Músicas en Vanguardia de CentroCentro en la plaza Cibeles de Madrid.